CLASE sobre LIGHTPAINTING y FOTOGRAFÍA #2

16/11/18
Los demás compañeros han estado exponiendo sus trabajos sobre LIGHTPAINTING y FOTOGRAFÍA.
Al finalizar las exposiciones nuestra profesora nos ha explicado qué haríamos en la siguiente clase. Iremos a plató para realizar fotografías con esta técnica que hemos estudiado. Debemos ir de negro, traer diferentes luces y objetos y la cámara con trípode.

CLASE sobre LIGHTPAINTING y FOTOGRAFÍA

12.11.18

Este día tuvimos que dar la clase nosotros. Nos reunimos en grupos de 5 y la profesorarepartió los diferentes temas. Yo era del grupo 7 y nos tocó hablar sobre la sensibilidad de obturación en cámara analógica para hacer fotografias con dinujos de luz (Light painting).
Yo expliqué el triángulo de exposición y cómo se debe ajustar según la luz que tengamos:
-Para una fotografía de DIA: El ISO será bajo, el diafragma tendrá que estar más abierto(ya que así entrará menos luz) y la velocidad de obturación tendrá que ser baja, es decir, poco tiempo para no quemar la imagen. Todo esto se ajusta de esta manera ya que por el día hay mucha más luz.
-Para una fotografía de NOCHE: El ISO será alto, el diafragma estará más cerrado (para que entre más luz) y la velocidad de obturación será alta ya que no hay tanta luminosidad cómo en el día.

PUNTOS INTERESANTES y a DEBATIR: PIENSA COMO UN ARTISTA

PIENSA COMO UN ARTISTA, WILL GOMPERTZ.

PUNTOS INTERESANTES Y A DEBATIR.

Este libro tiene varios puntos fuertes desde mi punto

de vista, uno en cada capítulo pero hay algunos

más interesantes a mi parecer.

Cómo los artistas son capaces de mostrar al mundo

lo que sienten, lo que crean y no tienen miedo al fracaso

ni al rechazo de su obra. También me parece verídico el

cómo los artistas cogen ideas ajenas y que ya están creadas

para llevar a cabo un proceso y combinarlas hasta

convertirlas en su obra. En nuestra época es muy común

el robar ideas a otras personas y atribuirnos el mérito.

Esto sucede por la comunicación que hoy en día tenemos

gracias a las redes sociales y a Internet.

EL punto que más me ha interesado y con el que estoy de

acuerdo es el que todas las escuelas deberían ser de arte o

enseñar más en profundidad cómo llevar a cabo el proceso creativo.

Los niños son artistas y a medida que crecen dejan de serlo

por la educación que se les da en las diferentes escuelas.

Si en algún momento de su aprendizaje les enseñan a valorar

más el arte y a saber cómo crear o llevar a cabo el proceso creativo

sería mejor para su crecimiento personal y su inteligencia.

Por último, todos podemos crear y llegar a ser artistas como

nos muestra el autor en su libro.

RESUMEN y desarrollo de los ARGUMENTOS de PIENSA COMO UN ARTISTA

PIENSA COMO UN ARTISTA, WILL GOMPERTZ.

RESUMEN Y DESARROLLO DE LOS

 ARGUMENTOS.

A lo largo de la obra el autor explica las claves de un artista

para llevar a cabo el proceso creativo y en cada capítulo

nombra artistas como ejemplos de sus argumentos.

En este apartado nombraré los capítulos y haré un breve

resumen de lo que expresa el autor en cada uno de ellos

aportando en algunos casos alguno de los ejemplos dados.

En el primer capítulo “Los artistas emprenden” reflexiona

acerca de que los artistas son empresarios y emprendedores

como cualquier otro trabajador. Habla sobre el dinero que

gana un artista y cómo puede llegar a conseguirlo. Nombra

a Andy Warhol, Van Gogh y cuenta la historia brevemente

de cómo Theaster Gates consiguió su fama, el dinero y cómo

lo invierte en centros culturales en South Side, Chicago.

“Los artistas no fracasan” capítulo dos. Los artistas no se

rinden por creer que han fracasado e interpretan el fracaso

como parte del proceso creativo. Habla sobre Bridget Riley

pionera del Op Art, en sus comienzos se sentía perdida al

conocer tantos artistas y movimientos artísticos, en este periodo,

dice el autor, se sintió fracasada pero siguió trabajando y

consiguió seguir su camino. Nombra otros ejemplos y finalmente

llega a la conclusión de que “los artistas no solo fracasan

sino que además vencen”, los artistas luchan por llegar a

lo que desean y no se rinden.

“Los artistas se toman su curiosidad muy enserio” capítulo tres.

La pasión es el motor que hace que los artistas quieran saber

más sobre algo que les interesa para crear. Explica cómo

Marina Abramovic y Ulay investigan acerca de su trabajo

para crear y cómo consiguieron que su obra formara parte de

las colecciones de arte moderno más importantes del mundo.

Nombra también a otros grandes artistas pero siempre llegando

a la misma conclusión “descubrieron su genio porque se

tomaron su curiosidad muy en serio”.

“Los artistas roban” capítulo cuatro. Las ideas nacen

de la mezcla de lo nuevo y lo viejo. En este capítulo nombra

a Pablo Picasso. Los artistas copian como forma de aprendizaje

y combinan ideas para crear.

Capítulo cinco “Los artistas son escépticos”. Para iniciar el

proceso creativo los artistas tienen que cuestionarse preguntas

sin respuesta. El artista debe preguntarse acerca de todo y no

asumir nada, como el proceso socrático que como nombra el

autor “no está para complicar el proceso creativo sino todo lo

contrario. sirve para aportar brevedad, claridad y pureza a nuestras ideas”.

Capítulo seis “Los artistas piensan en conjunto y también en detalle”.

Aquí nos cuenta su relación con Luc Tuymans y nos expone que

el artista no debe centrarse solo en el detalle o en el conjunto, que

lo más mínimo puede cambiar lo más grande y lo debemos complementar

entre sí. Incluye en este capítulo diálogos que tuvo con el propio Luc.

Capítulo siete “Los artistas tienen su propio punto de vista”.

El punto de vista es nuestra firma. Necesitamos conocernos a

nosotros mismos para este proceso creativo, si no sabemos qué

decir ¿sabremos qué crear? Ser diferentes y pensar de manera

distinta alimenta la creatividad.

“Los artistas son valientes”, capítulo ocho. Los artistas

consiguen mostrar su interior y sus ideas al mundo exterior.

Muchas veces nos frena el miedo a mostrar y ser rechazado.

Miguel Ángel es uno de los artistas que nombra en este capítulo

y dice que debe ser un ejemplo porque debemos ser atrevidos

para proponer nuevas ideas.

“Los artistas se paran a pensar”, capítulo nueve.

Los artistas necesitan tener espacio y tiempo cuando se trata de crear.

Deben descansar y volver a su obra para corregir errores como hacia

David Hockney. “Cuando los artistas se sientan en su silla dejan de

ser artistas y se convierten en críticos”

Capítulo diez “Todas las escuelas deberían ser de arte”. El autor va

más allá del ámbito artístico y se cuestiona si la creatividad se impulsara

en las escuelas y universidades, es decir, enseñar el proceso creativo

y no solo lo que se obtiene de ello.

Para finalizar “una última cuestión”, capítulo once. ¿Y si la sociedad

viviese cómo viven los artistas? En este último capítulo el autor expon

e unas cuestiones para el lector. Propone cómo sería trabajar como un

artista, alimentando la creatividad y trabajando en algo que nos estimule

y nos ayude a llevar a cabo el proceso creativo. Muchos artistas

combinan su trabajo con su ejercicio artístico y que cada vez es más

común en nuestra sociedad.

BIOGRAFÍA del autor: WILL GOMPERTZ

PIENSA COMO UN ARTISTA, WILL GOMPERTZ.

BIOGRAFÍA DEL AUTOR:

Will Gompertz es uno de los 50 pensadores creativos
más importante a nivel mundial (nombrado por la revista
Creativity de Nueva York). Es director de arte de la BBC y lo
fue también de Tate Gallery donde era responsable de
Tate Media Productions y Tate Online. Miembro de la junta
directiva de National Campaign for the Arts, fundó en 1990
la revista Shots, que cubre cortometrajes y películas promocionales
comerciales. Establece una compañía que se dedica a la producción
de programas para televisión  y los crea para Channel 4 e ITV.

Gompertz es el autor de una serie de libros de arte y creatividad
como Piensa como un artista (Thinking like an artists)
que es un manual para que cualquiera pueda sacar su lado creativo
y ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un
abrir y cerrar de ojos ( What are you looking at?).

Lectura: PIENSA COMO UN ARTISTA

Este trabajo trata sobre leer un libro de una lista que nos dió la profesora y yo elegí Piensa como un artista, de Will Gompertz. 
Teniamos una serie de puntos de los que hablar, en nuevas entradas con la etiqueta Piensa como un artista subiré los puntos más interesantes sobre mi trabajo para que podais ver y en algunos casos os pueda ayudar a conocer más sobre este gran libro.
Todos los puntos que incluyo en mi trabajo(en negrita los qué publicaré en entradas posteriores):
-Biografía del autor.
-Datos editoriales.
-Razones por las que he selecionado el libro.
-Resumen y desarrollo de los argumentos.
-Puntos interesantes y a debatir.
-Información que falta (a mi parecer en el libro)
-Conclusión
-Bibliografía.

Estudio de TEXTURAS

5/11/18
Hemos estudiado las texturas y nos han mandado un trabajo a partir de eso.
Aquí están algunos artistas que vimos ayer y técnicas.
Frotagge: Es una técnica que consiste en colocar una hoja sobre un objeto y con un lapicero frotar sobre él para conseguir su forma y texturas. Se pueden utilizar como objetos: monedas, piedras, tumbas, inscripciones, alcantarillas, asfalto con grietas...
Relieve: Se pueden conseguir con diversos materiales(inertes) : polvo de mármol, esmeril, creta, papel rallado, plástico, aguaplas, látex, cristal, fíbras...
Estos son algunos artistas que vimos:
   -Francisco lópez
   -Ernesto Neto
   -Barceló
   -Sarah Lucas
Todos ellos utilizan texturas ya sea en esculturas, lienzos...
Vimos además un video interesante: https://youtu.be/PktXl7OZIR8
El trabajo que nos mandó realizar trata sobre crear texturas incluyendo relieves, frotagge y estampaciones, el tamaño es libre pero debemos realizarlo con materiales de arte.

COMPOSICIÓN

19/10/2018
En la clase de hoy hemos estudiado la composición.
Definición: distribución armónica de los elementos de una imagen. Tambíen se puede definir como la posición que ocupa un el elemto con el resto en el mismo entorno.
Tipos de composición:
   -Composición ascendente.
   -Composición simétrica: Simboliza la perfección y el equilibrio.
   -Composición asimétrica: Simboliza la enfermedad.
   -Composición triangular: *Ascendente: Simboliza a Dios
                                             *Vértice hacia abajo: más terrenal, tambíen simboliza un útero, a la                                                         mujer.
   -Composición basada en repetición: con elementos iguales o parecidos (siempre funciona y queda bien)
   -Composición vertical: elegante, simboliza la elevación hacia el cielo.
   -Composición horizontal: estable,pacífico, simboliza la muerte pero también pueden ser paisajes.
   -Composición con dominante curva o espiral:
                                            *Cicular: El círculo es la figura más perfecta, recuerda a un ojo, el ojo                                                    que todo lo ve, las puertas al alma, etc.
                                            *Ovalada: tranquilidad, místico.
                                            *Centrífuga: que se expande.
                                             

Cómo HACER una EXPOSICIÓN ORAL

Antes de exponer y hablar sobre nuestra investigación del color (dejo aquí el enlace a la entrada: https://tamaradhfbbaa.blogspot.com/2018/10/mi-estudio-del-color.html ) la profesora nos dió unas pautas muy interesantes de cómo hacer una exposición oral  y me gustaría compartirla.
En la exposición todo cuenta.
- Comunicación no verbal: velocidad a la que sales a exponer, la posición en la que te coloques, el movimiento de manos y piernas, hay que mirar a todo el público, el vestuario, la postura. Todo esto es importante.
-Velocidad, volumen y claridad en la pronunciación. Un truco que nos dió fue que cuando creyeramos que hablabamos bajo nos girásemos mirando a la pared (como si fuesemos a mirar en el power point) y ahí tendemos a hablar más alto para que nos escuchen al estar de espaldas por lo que al girarnos nos quedaremos con ese tono y así ya no habrá problemas.
-Organización del discurso:
      1º.Presentación: quién eres, qué haces allí (y agradecimientos a quién te haya llamado y dejado exponer si por ejemplo es en alguna conferencia u charla-opcional en exposiciones orales en clase-)
      2ºExposición: *Contar clara y brevemente de memoria de lo que se va a hablar (una pequeña introducción)Añadido por mi- En algunos casos se puede poner un vídeo breve sobre el tema para captar la atención de los oyentes.
                             *Añadido por mi-Explicar cada parte del tema de manera clara. En el PowerPoint o soporte que tengaís añadir poco texto con las ideas claves y desarrollarlo vosotros para que los demás presten atención. Todos sabemos leer, si está en la imagen proyectada y se puede leer los oyentes ya habrán recibido la información y no prestarán atencióna tus palabras.
     3ºDespedida: se puede añadir una frase cómo conclusión relacionada con el tema. Si se habla de arte de algún artista, de historia de algún personaje o historiador, etc.

MUY IMPORTANTE: Lo que más importa es que te adaptes al tiempo que tienes. Ensaya en casa, frente al espejo, delante de la familia o amigos y procura no pasarte del tiempo que te han puesto.

Proyecto: CREACIÓN DE UN JUEGO

Este año la profesora nos ha mandado crear un juego inspirado en un artista contemporáneo vivo. En él debemos incluir los colores primarios, secundarios, adyacentes y complementarios. Puede ser cualquier tipo de juego, un columpio, de mesa, cartas, etc.
Yo ya he elegido el autor DAVID HOCKNEY ( http://www.davidhockney.co/ ).